Pour regarder et comprendre une oeuvre picturale, il faut en voir la composition, la couleur, le volume, la perspective, les techniques, mediums, outils et supports. Les types de peinture sont aussi à distinguer : retables, polyptiques, chevalets, ainsi que formes, tailles, iconographies, fonctions. Chaque entrée est présentée de manière claire et synthétique, par un texte qui se développe sur une seule page, et sur deux colonnes. Une légende indique le sujet, la date, la provenance et la localisation de l’œuvre reproduite. Le livre aborde aussi les lieux d’exposition, la conservation et la restauration, les théories. Pratique, il comporte des renvois entre les sujets et un index des articles, des artistes et des œuvres

Architecte très controversée (certains sont allés jusqu’à dire que ses projets étaient impossibles à réaliser) elle a mené à terme ces dix dernières années de nombreux bâtiments importants, dont le Centre d’art contemporain Rosenthal de Cincinnati (que le New York Times considère comme "le nouvel immeuble le plus important aux États-Unis depuis la Guerre froide") le Centre des Sciences Phaeno de Wolfsburg, en Allemagne et le siège de BMW de la nouvelle usine de Leipzig. Aujourd’hui, grâce à ses audacieux dessins futuristes qui l’ont propulsée au premier plan de l’architecture mondiale, Hadid a enfin acquis une reconnaissance internationale. Ce volume XL couvre l’intégralité de son travail jusqu’à aujourd’hui, dont ses projets les plus récents, de Dubaï à Guangzhou.

Depuis 1985, le design est entré dans l’ère de la consommation de masse et du culte de l’objet. Une bonne date de départ pour survoler vingt-cinq années de créativité en Europe. Ecrit par trois historiens du design de renommée internationale au terme de plusieurs années d’investigation, cet ouvrage de référence nous propose la première grande rétrospective critique sur le design européen en la replaçant dans le cadre social, économique, culturel et politique qui ont nourri le design européen depuis l’après-guerre. Un travail clair et vivant qui décrit les nombreux mouvements conceptuels et esthétiques apparus dans les années 1980 : le néopop, le biomorphique, le conceptuel, le néo-dada-surréaliste, le néodécoratif, etc. Il met en lumière les têtes d’affiche d’un design européen qui domine le monde, de Philippe Starck aux frères Bouroullec, en passant par Matali Crasset, Garouste & Bonetti, James Dyson, De Lucchi, Marcel Wanders…Et est enrichi de centaines de photographies en couleur illustrant les objets les plus emblématiques de cette période. Un ouvrage de référence.

La somme est impressionnante dans l’esprit de la collection des guides qui ont fait la réputation des éditions Gallimard. Partenaire de l’Association nationale des villes et pays d’art et d’histoire et des villes à secteurs sauvegardés et protégés, l’éditeur n’a eu qu’à piocher dans le réservoir inépuisable du très riche patrimoine français. D’Aragon (Aude), et ses 453 habitants, à Paris, chacun des 126 villes et pays de cette encyclopédie est traité sur le même pied d’égalité puisque le guide leur consacre deux pages, l’une pour la présentation topographique et historique, l’autre pour un gros plan sur une action particulière dans le domaine de l’évolution patrimoniale. Une introduction de 100 pages aborde à la fois l’histoire de la préservation du patrimoine, les différents labels de protection, les acteurs et les métiers du patrimoine. Des annexes pratiques complètent cette somme qui fera date dans l’histoire de l’édition et du patrimoine, fer de lance de l’économie touristique d’aujourd’hui.

Dans le Palais de Chaillot restauré, la Cité de l’architecture et du patrimoine déploie son nouveau musée dans trois galeries : galerie des moulages, galerie des peintures murales et des vitraux, galerie d’architecture moderne et contemporaine. Diffuseur de la culture architecturale et urbaine du passé et du présent, la Cité possède de fabuleuses collections et présente des expositions temporaires et des débats. Ce livre, abondamment illustré (140 documents), raconte l’aventure fondatrice de la Cité et son ambition : construire et faire partager par le plus grand nombre une culture architecturale et urbaine. Il donne envie de filer visiter la Cité. www.citechaillot.fr

Nathalie Heinich, sociologue, directeur de recherches au CNRS nous révèle les étapes et l’organisation de la chaîne patrimoniale qui conduit à « l’éventuel statut juridique de monument historique » Elle nous détaille par le menu les critères mis en œuvre par les chercheurs de l’Inventaire pour décider que tel château, telle ferme, tel tableau d’église possède ou non une valeur patrimoniale ? Très lisible, parfois drôle, ce regard extérieur permet de comprendre le rôle des différentes instances publiques dans ce domaine. Il fait réfléchir sur les spécificités françaises en matière de préservation du Patrimoine et sur les valeurs fondamentales qui sous-tendent la notion même de patrimoine. A partir d’une enquête attentive, au plus près du terrain, l’auteure s’est aussi intéressée aux émotions qui animent les mobilisations des profanes en faveur des biens à préserver et aux efforts des élus ou des citoyens pour faire classer telle ou telle construction.

Des premières peintures rupestres jusqu’au land art de James Turell, le livre rassemble des oeuvres célèbres, d’autres plus confidentielles, et recèle de nombreuses surprises. Il permet de découvrir ce qui se fait dans le monde à une même période, en présentant de façon chronologique 1 000 oeuvres d’art (peintures, sculptures, fresques, objets, ...) du monde entier depuis 30 000 ans.

L’égalité entre les sexes n’est toujours pas entrée dans les faits, les reculs sont même flagrants et dans l’art qu’en est-il exactement aujourd’hui, 40 ans après les combats féministes et à l’heure où le Centre Pompidou réorganise ses collections en s’interrogeant sur la place qu’y occupent les femmes ? Pour le savoir, les auteurs d’Area, revue trimestrielle d’art et de débats, ont interrogé plus de 120 femmes, dont de nombreuses artistes, pour savoir quelle place elles ont, comment leurs œuvres sont accueillies, quelles difficultés elles rencontrent pour créer, se faire connaître, vivre de leur art.

Cette encyclopédie de l’architecture qui s’étend des premiers abris préhistoriques aux bâtiments les plus étonnants du XXIème siècle, s’adresse tout autant aux amateurs d’art et de tourisme urbain qu’au grand public. Concise et claire, elle lève le mystère sur les plus grandes prouesses techniques et offre une analyse des différents styles en présentant l’évolution du design architectural à travers les époques et les cultures, les édifices célèbres réalisés par des artistes du monde entier.

Les Bulles de savon de Chardin face aux Quelques cercles de Kandinsky (1866-1944), le Hamburger géant de Claes Oldenburg face à la Vache au nez subtil de Jean Dubuffet, etc…Bob Raczka s’est amusé à regrouper vingt-six œuvres célèbres en treize paires invraisemblables parce que réalisées soit dans des styles tout à fait distincts, soit par des artistes d’époques complètement différentes. Et les rapprochements sont saisissants de pertinence et d’humour. Chaque paire semble raconter une histoire et amène aussi le spectateur à changer sa manière de ressentir chaque œuvre prise individuellement. (Dès 6 ans).

Ces deux séries documentaires expliquent en détail les « petites » histoires des techniques de la peinture, de la lumière à l’ombre, en passant par le reflet, le modèle, le support, les pigments, l’atelier et les secrets bien gardés de la couche picturale. À travers leurs oeuvres, nous suivons Botticelli, Léonard de Vinci, Van Gogh, Picasso et de nombreux autres artistes, anciens et contemporains, dans leur processus de création. Un voyage exceptionnel à travers plusieurs siècles d’art pictural et par le biais de l’évolution des techniques.

Cet ouvrage jette un éclairage sur les femmes artistes du 20ème siècle qui ont travaillé en France. A partir d’une enquête confrontant archives, journaux, correspondances et interviews d’artistes, il montre comment les femmes ont pris leur place dans l’histoire de l’art, précisément après 1900, alors que s’ouvre à elles l’école des beaux-arts, qui leur était interdite jusqu’alors. Les auteurs dressent un panorama complet des productions et des artistes, des plus connues aux jeunes artistes d’aujourd’hui.

Un parcours à la fois savant et séduisant à travers l’histoire et l’art de la photographie des origines à nos jours. Des centaines d’images célèbres ou inédites, des documents étonnants, des œuvres d’art signées des plus grands : Atget, Brassaï, Capa, Cartier-Bresson, Depardon, Doisneau, Evans, Friedlander, Kertész, Le Gray, Man Ray, Nadar, Parr, Salgado, Talbot, etc…

Spécialiste reconnu de l’histoire de la couleur et des peintres Turner et Constable, John Gage nous livre une passionnante histoire de la perception et de l’utilisation de la couleur dans l’art et la culture en Occident. Son analyse, qui va de la Grèce antique au début du 20è siècle, éclaire sur les usages et les significations de la couleur dans nos sociétés. On y apprend aussi bien les techniques d’élaboration des pigments que la signification religieuse des couleurs. 223 illustrations accompagnent cet ouvrage qui permet de mieux comprendre le rôle de la couleur dans nos sociétés.

Ce que nous appelons ici "dessin hors papier" correspond à toutes les pratiques graphiques contemporaines qui suspendent l’usage du papier comme support d’un dessin. Ces pratiques qui ne sont pas nouvelles, suscitent de nos jours un incontestable regain d’intérêt. Ainsi, tout ou presque peut servir de support aux créations des artistes : la peau des hommes et des animaux, un parking de supermarché, un rouleau de film super-huit, etc.. Et l’on pense à des artistes comme Wim Delvoye et ses peintures sur des cochons, aux œuvres et films de Matthew Barney…Mais s’émanciper du papier n’est souvent qu’un moment de rupture dans la création d’une oeuvre qui n’interdit nullement le carnet de croquis, le tirage d’une photo ou la confection d’un livre d’artiste. C’est donc moins l’abandon (d’ailleurs illusoire) du papier qui intéresse ici les auteurs, que la pertinence d’un phénomène de la création actuelle.

Ce livre, exceptionnel en terme d’iconographie, propose une sélection de près de cent masques. Certains sont d’une grande ancienneté, et d’autres relativement récents, tous marquent la pérennité de l’usage des masques dans les sociétés traditionnelles des quatre continents. Issue des collections du musée, cette sélection réunit à la fois des chefs-d’oeuvre et des oeuvres méconnues sorties des réserves.

Peintures, gravures, dessins et aquarelles signées des peintres expressionnistes allemands tels Otto Dix, George Grosz, Max Beckmann, mais aussi Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner, Erich Heckel, Walter Gramatté et John Heartfield témoignent de la crise de la société allemande à partir de 1912 et des horreurs de la guerre. La période étudiée s’achève en 1929 avec la montée du nazisme et la crise financière qui ébranlèrent le monde entier.

Qu’il soit outil ou médium, le numérique inspire les artistes d’aujourd’hui même s’il laisse encore incrédule nombre d’amateurs peu familiarisés avec cette forme artistique très récente. La réédition du livre de Christine Paul, agrémenté de 323 illustrations, permet de se repérer dans les arcanes de cet art numérique, un foisonnement critique, poétique et fantasmatique. Les thématiques essentielles de cet art y sont exposées. Une entrée savante dans notre monde virtuel.

Les jardins ont de tous temps fasciné les peintres. On pense bien sûr à Monet et son jardin d’eau et de nymphéas à Giverny, au Jardin aux tournesols de Gustave Klimt, au Jardin de fleurs d’Emil Nolde, au Jardin de roses de Paul Klee, au Pommiers dans le jardin d’Edvard Munch ou encore à ces jardins en trompe-l’œil sur les murs de Pompéi. Le jardin, comme le tableau, est par essence composition de formes, de couleurs et de lumières et loin d’être un genre anecdotique et pittoresque, la représentation des jardins touche au plus profond de la sensibilité humaine. Nils Büttner nous emmène à travers les siècles en promenades, savantes et illustrées, dans ces jardins classiques, naturalistes, allégoriques, symboliques, impressionnistes, expressionnistes, surréalistes et abstraits. Un plaisir pour les yeux et l’âme.

Entre figuration et abstraction, influencées par Paul Klee et son langage des signes, les œuvres de Zao Wou-Ki représentent de véritables paysages intérieurs et sont une synthèse de l’art chinois et de l’art occidental. Dans cet ouvrage, Hélène Trespeuch revient sur l’influence de Paul Klee. Marie Minssieux-Chamonard relate les rapports que Zao Wou-Ki entretient avec les écrivains, se nourrissant de leurs textes pour créer des estampes. Céline Chicha analyse l’œuvre gravé de Zao Wou-Ki et son évolution. En fin d’ouvrage on trouve le catalogue raisonné des livres illustrés par l’artiste, comme celui d’Ezra Pound ou encore Randonnées de Roger Caillois.

Comment l’art des années 1930 a servi (comme faire valoir ou repoussoir) les idéologies totalitaires et pourquoi ces idéologies, qui ont pu susciter tant d’illusion, ont toutes conduit à d’immenses tragédies, telle est l’interrogation fondamentale de l’académicien Jean Clair. Cet ouvrage esquisse une tentative d’explication au travers de textes de spécialistes et d’analyses d’œuvres d’artistes européens et nord-américains, notamment ceux qui ont résisté, provoqué où se sont révoltés tels Hans Bellmer, Dalí, Picasso, Otto Dix, Miró, Jean Arp, Max Ernst, Walker Evans, John Heartfiedl, August Sander et bien d’autres. Une édifiante relecture d’un pan de l’histoire mondiale en tableaux, dessins, sculptures, architectures, photographies…