L'agora des arts

Moteur Imaginaire. Des chefs-d'œuvre de la Collection Renault aux artistes d'aujourd'hui.

cath — 2026-10-30T16:03:35Z

Du 17 octobre au 7 mars 2027
Large, cultures contemporaines
3 parvis Amont, Pointe des Arts – Île Seguin
Boulogne-Billancourt
Du mercredi au dimanche : 11h-19h
Vendredi : nocturne jusqu'à 21h
Lundi-mardi : fermé
Tarif plein : 15€
www.large-emerige.fr

Visuels :

– Robert Doisneau, Usine de Billancourt, toitures de l'ile Seguin, 1935

– Arman (né Armand Pierre Fernandez), Renault Wooden Pieces - Accumulation Renault no 151, 1968. Modèle en bois de Renault 10, éléments sciés dans des boîtes en plexiglas, 145 × 500 × 160 cm. Fonds de dotation Emerige, Paris. Photographie : © Diane Arques. Arman © ADAGP, Paris, 2026.

– Clément Cogitor, Sans titre, 2026. Vidéo, 12 min, 4K, couleur, muet © Clément Cogitore, ADAGP 2026

– Mohamed El Khatib (1980, Beaugency) R12 cathédrale, 2026 © Mohamed El Khatib. Photographie : Mohamed El Khatib et Yohanne Lamoulère / Tendance Floue

– Large, île Seguin, Boulogne-Billancourt, France. © RCR Arquitectes - G. Trégouët - CALQ agence d'architecture, Photographie © Nicolas Trouillard

Après plus de 100 ans d'activité industrielle et plusieurs projets culturels avortés depuis la fermeture de l'usine Renault en 1992, un nouveau lieu d'art contemporain voulu par Laurent Dumas, président du groupe Emerige, a enfin ouvert sur la Pointe des Arts, territoire insulaire emblématique de l'Île Seguin à Boulogne-Billancourt.

Œuvre de RCR Arquitectes (Pritzker 2017) en collaboration avec l'agence CALQ qui ont misé sur le métal, la lumière et le dialogue entre le bâtiment et son environnement fluvial, Large, dirigé par Paula Aisemberg, se veut un lieu de création, d'exposition, de production et de transmission, accessible au plus grand nombre. Loin d'être isolé, Large s'intègre dans un pôle culturel et urbain de 53 000 m² composé d'un cinéma Pathé de 8 salles, d'un hôtel de 230 chambres et 20 000 m² de bureaux ainsi que des commerces et des restaurants. Sans oublier la présence de la Scène musicale, à l'autre bout de l'Île. Ce qui le rend d'autant plus attractif.

Confiée à Cecilia Alemani, l'exposition inaugurale, intitulée Moteur Imaginaire. Des chefs-d'œuvre de la Collection Renault aux artistes d'aujourd'hui (jusqu'au 7 mars 2027), explore l'héritage symbolique du site historique des usines Renault de l'Île Seguin.
La sélection des artistes et de leurs œuvres interroge les relations entre l'humain et les machines avec un regard particulier porté sur l'automobile, ça va de soi. En partenariat avec le Fonds Renault pour l'Art et la Culture, le parcours est construit en cinq chapitres (« Usine de mes pensées », « Forces motrices », « Corps sociaux », « Objets du désir » et « La machine humaine »). Il met en lumière des œuvres de la collection historique du constructeur, qui compte plusieurs centaines d'œuvres emblématiques issues de six mouvements artistiques. La photographie humaniste (dont les photographies de Robert Doisneau pour qui la carrière fut intimement liée à Renault). Le Nouveau Réalisme (dont l'œuvre d'Arman sur la Renault 4 de 1967 ou ce Requiem pour une feuille morte de Jean Tinguely de 1967 ; une œuvre cinétique monumentale constituée d'assemblage de roues qui déploie un effort gigantesque pour agiter au final une toute petite feuille morte). La Figuration Narrative (principalement Erró, un des artistes phares de la collection avec entre autres œuvres Caravaggio R5 (1986) dédiée à la Renault 5). L'Op Art (avec des pièces de Victor Vasarely) ou encore des œuvres d'inspiration Art Brut de Jean Dubuffet…aux côtés de créations contemporaines dont du street art.
Fidèle à sa mission, Large a passé commande de 17 œuvres inédites. Parmi les artistes invités figurent notamment Théo Mercier, Sara Sadik, Bianca Bondi, Clément Cogitore, Bertrand Lavier, Mohamed El Khatib, Oliver Beer, Bertille Bak, Thu Van Tran ou encore Giulia Andreani.

Catherine Rigollet

A Gand, le renouveau du Design museum

cath — 2026-10-29T16:13:38Z

Design Museum
Drabstraat 10 - 9000 Gand
Du lundi au vendredi : 9h30-17h30
Samedis, dimanches et vacances scolaires 10h - 18h
Fermé le mercredi
Exposition : tarif plein 15 €
Le jardin intérieur et la nouvelle aile sont en accès libre.
www.designmuseumgent.be

Visuels :

– Vue de la nouvelle entrée du Design Museum.

– Vue de la nouvelle aile depuis la cour intérieure

– Vue du nouveau parcours des collections

– Vue de la ville de Gand (Cathédrale St Bavon) depuis la nouvelle aile du musée

– Michael Graves (1934-2015 / Groupe de Memphis), Coiffeuse « Plaza », érable, métal, textile, verre. Un hommage au style Art Déco et au glamour hollywoodien, tandis que son nom, « Plaza » évoque un célèbre hôtel new-yorkais.

– Searcher (Studio digital). Avec plus de 24 000 objets, il est impossible de tout exposer physiquement. Searcher offre une solution numérique à ce problème. Cette installation innovante explore utilise l'IA pour nous permettre de porter un regard nouveau sur la collection.

– COOP HIMMELB(L)AU, Manteau brouilleur, 2014. Ses formes amples et ondulées perturbent les logiciels de reconnaissance faciale et sa doublure tissée à partir de fibres métalliques fait office de cage de Faraday et bloque les ondes.

– Statue de la Liberté gonflable. Cette sculpture gonflable du duo autrichien Zweintopf dépend d'une station de pompage actionnée par le public. Lorsque l'effort s'arrête, elle se dégonfle progressivement, jusqu'à devenir une enveloppe vide. Baptisée Perseverance (Goddess of Democracy), l'œuvre transforme ainsi la démocratie en exercice physique collectif.

Photos : L'Agora des Arts, voyage de presse 15/10/2026.

Après quatre ans de travaux de rénovation et une nouvelle aile, le Design Museum Gand a rouvert ses portes le 3 octobre 2026, avec comme objectif d'en faire plus qu'un musée, un lieu d'expérimentation, de dialogue et d'action collective, ouvert à tous. Une réussite.

Le design est entré dans chaque recoin de ce musée fondé en 1903. Dans le bâtiment, tout a été repensé pour une utilisation des matériaux autant écologique qu'esthétique, en faisant appel à l'économie circulaire : briques pressées localement à partir de déchets de construction municipaux, cloisons en bois, incroyable porte d'entrée en aluminium imprimée en 3D en forme de rideau, jolis casiers de consigne en bois de récupération de différentes couleurs, mobilier récupéré et relooké par des personnes en réinsertion, toilettes toutes différentes créées par dix designers qui ont intégré là encore des matériaux durables et de récupération, etc.

Voulue par la directrice Katrien Laporte, la nouvelle aile, entièrement construite en bois, domine désormais l'historique Hôtel De Coninck et en relie toutes les parties. Elle constitue un espace informel et gratuit, conçu pour accueillir des expositions, des conférences, des événements et plusieurs ateliers créatifs que chacun peut librement utiliser. L'avenir dira comment le public s'approprie ces lieux. Du 4^e étage (Le Loft, espace événementiel), elle offre une vue à couper le souffle sur le médiéval château des Comtes et sur la cathédrale Saint-Bavon, écrin de L'Agneau mystique (1432), des frères Van Eyck.

Le musée a également renouvelé la présentation de sa collection (24.000 objets du XIV^e siècle à nos jours, avec un accent sur le design belge), en réunissant quelque 500 pièces emblématiques dans un parcours thématique (migration, confort, connexions…) et une scénographie épurée et lumineuse. On y retrouve des icônes internationales du design, ainsi que des talents moins exposés. Quelques exemples : Alvar Aalto, Pieter De Bruyne, Charles & Ray Eames, Mabel Elwes, Michael Graves, Paul Hankar, Joseph Hoffmann, Victor Horta, Arne Jacobsen, Gaetano Pesce, Gustave Serrurier-Bovy, Ettore Sottsass, Henry van de Velde, etc.

La fermeture du musée a permis de numériser toutes les pièces que chaque visiteur peut retrouver dans le Studio Digital avec l'outil Searcher, en croisant différents critères comme la couleur, la forme, la fonction… plutôt qu'en cherchant par auteur, période ou matériau. Un plus astucieux de l'IA pour nous permettre de porter un regard nouveau sur la collection.

Public Matter(s). Design et Démocratie

L'exposition inaugurale consacrée au design et à la démocratie (jusqu'au 11 avril 2027) explore la manière dont nous vivons ensemble et prenons des décisions, et dont les objets, l'architecture, les slogans, façonnent nos systèmes politiques et notre capacité à agir collectivement. Dans un parcours en 12 thèmes, elle montre que tout dans notre système démocratique occidental est un choix de conception délibéré. Du bulletin de vote (sa mauvaise conception peut conduite des électeurs à se tromper) aux affiches de manifestation. Des personnes exclues du droit de vote ou empêchées (femmes et minorités à une certaine époque, étrangers, sans abris, handicapés…) aux droits pour la nature qui en manque cruellement. De la forme et de l'accessibilité des bâtiments parlementaires à l'utilisation des réseaux sociaux.
Plus qu'une expérience visuelle passive, l'exposition invite à la réflexion, se demandant aussi comment le design et l'architecture peuvent évoluer pour devenir plus inclusifs et démocratiques. Elle interpelle in fine les citoyens que nous sommes à renforcer notre propre « réflexe démocratique ». Essentiel en ces temps où la démocratie est partout attaquée.

Catherine Rigollet

Catharina van Hemessen. Une pionnière à la Renaissance

cath — 2026-10-28T09:32:17Z

Anvers - Maison Snijders & Rockoxhuis
Jusqu'au 31 janvier 2027.
À Anvers, chez les Van Hemessen, on peint en famille. Autour du père, Jan, le maître de l'atelier, quatre de ses sept enfants, dont sa plus jeune fille, Catharina. Une pionnière à la Renaissance et une belle découverte.

L'atelier anversois de Jan et Catharina Hemessen

cath — 2026-10-28T09:20:28Z

Du 15 octobre 2026 au 31 janvier 2027
Maison Snijders & Rockoxhuis
Keizerstraat 10, 2000 Antwerpen
Du mardi au dimanche de 10 à 17h
Fermé le lundi
Tarifs : 10€/6€
Chaque premier mardi du mois, la visite du musée est gratuite
www.snijdersrockoxhuis.be/fr

– Catalogue en anglais de l'exposition organisée en collaboration avec La National Gallery (Londres) et The Bowes Museum (Barnard Castle - GB).
Édition Lannoo.

Visuels :

– Entrée du musée Snijders-Rockoxhuis - Anvers

– Catharina van Hemessen, Autoportrait au chevalet - 1548. Bâle – Kunstmuseum

– Jan van Hemessen, Portrait de jeune femme, La Peseuse d'or, v.1528-1529. Berlin - SMB – Gemäldegalerie.

– Catharina van Hemessen, Repos pendant la fuite en Égypte - V.1555. Collection particulière

– Catharina van Hemessen, Déploration du Christ, v.1550. Anvers, musée Snijders&Rockoxhuis

– Jan van Hemessen & Pieter Aertsen, Le Jugement dernier avec les portraits des donateurs Adriaen Rockox & Catharina van Overhoff, v.1540-45. Anvers, église Saint-Jacques.

– Jan van Hemessen, La Mariée en pleurs, v.1540. Prague, Narodni Galerie.

– Cour du musée Snijders-Rockox-huis - Anvers

Chez les Van Hemessen, on peint en famille. Autour du père, Jan, le maître de l'atelier, quatre de ses sept enfants, dont Hans, Gillis et surtout sa plus jeune fille, Catharina. Une pionnière à la Renaissance. Si Jan van Hemessen est moins connu que ses contemporains Quinten Massijs et Pieter Bruegel l'Ancien, il est un acteur majeur et très prisé de cette période anversoise ; ses œuvres largement diffusées. Une dynastie pourtant aujourd'hui oubliée.
Une soixantaine de ses toiles sont aujourd'hui répertoriées dont beaucoup ont été créées en collaboration avec ses assistants et ses enfants. Pour la première fois, grâce au travail de la petite équipe du musée : le jeune et enthousiaste conservateur Maarteen Bassens assisté de Katrijn van Bragt, régisseuse des collections, une rétrospective est consacrée au Van Hemessen. Elle réunit une trentaine d'œuvres sur panneau d'une grande fragilité et rareté ; des prêts venant de 24 collections internationales. Elle comprend une sélection de toiles de Jan van Hemessen (v. 1500-v.1557). Surtout des compositions religieuses et bibliques inspirées de Saint Jérôme, de Suzanne et les vieillards, du Christ chassant les marchands du temple et surtout du Jugement dernier, son chef-d'œuvre : le monumental triptyque réalisé pour Adriaen Rockox et Catharina van Overhoff, qui sont représentés de part et d'autre du panneau central.
Mais Jan van Hemessen a aussi peint des portraits. D'une tendre humanité comme ce portrait d'une jeune fille pesant de l'or (Portrait de jeune femme, La Peseuse d'or) tout en délicatesse. Parfois aussi d'un réalisme proche de la caricature, comme celui de cette mariée en larme, morve au nez, qu'on imagine dépitée d'avoir épousé un vieil homme, plutôt que le jouvenceau qu'on voit à sa droite (La mariée en pleurs).

Catharina van Hemessen, une pionnière à la Renaissance

Le parcours (dont l'absence voulue de cartels oblige à utiliser des outils numériques pour identifier chaque œuvre) met surtout en lumière le talent de sa fille Catharina (1528-après 1566). Et c'est une belle découverte.
Au XVI^e siècle, les femmes artistes, le plus souvent des filles d'artistes, sont rares. Ce sont des pionnières, telles l'anglaise Susanna Horenbout, les Italiennes Sofonisba Anguissola et Lavinia Fontana, puis au Baroque la célèbre Artemisia Gentileschi. Si Catharina participe à l'exécution de grandes compositions de son père (sa première contribution confirmée date de 1548), la jeune fille a sa propre création. Elle peint quelques scènes religieuses (Déploration du Christ, v.1550), mais c'est dans l'art du portrait réalisé sur de petits formats qu'elle excelle. La finesse des traits confine à la miniature comme ce Portrait d'une dame au petit chien (v.1551) dont on pourrait compter les poils du museau. Son Autoportrait au chevalet (1548) sur lequel elle appose avec fierté sa signature, est même considéré comme l'un des premiers du genre en Europe. Il affirme par là-même son identité professionnelle. Comme son père, Catharina van Hemessen va d'ailleurs être admise dans la prestigieuse Guilde de Saint-Luc d'Anvers. Une reconnaissance de sa maîtrise artistique. En 1554, son mariage avec Christiaen de Marin, musicien au service de la reine Marie de Hongrie, infante d'Espagne, va l'éloigner plusieurs années d'Anvers, et de sa carrière. On conserve d'elle 14 peintures signées de sa main.

Cette petite exposition bijou, présentée dans le superbe écrin qu'est le musée Snijders&Rockox, ancienne demeure du bourgmestre Nicolaas Rockox (1560-1640) qui abrite des chefs d'œuvre de la Renaissance et du Baroque signés Jan I Brueghel, Pieter II Brueghel, Erasmus De Bie, Maarten De Vos, Joachim Patinir, Cornelis Metsijs, Pieter Paul Rubens, Antoon Van Dyck ou David II Teniers, mérite à elle seule le voyage à Anvers.

Catherine Rigollet

Léon Spilliaert. Soleil noir

cath — 2026-10-26T15:52:31Z

Du 22 octobre 2026 au 19 mars 2027
Boghossian Foundation-Villa Empain
Avenue Franklin Rooseveltlaan 67
Bruxelles 1050
Du mardi au dimanche, de 11h à 18h
www.boghossianfoundation.be
https://villaempain.com/

– À voir aussi à Bruxelles : « Jean Brusselmans. Peintre par nature ». Bozar, jusqu‘au 31 janvier 2027 lire notre article.

– Le 28 novembre 2026, Kanal ouvre avec pas moins de dix expositions consacrées à l'art et l'architecture, allant de présentations de collections à des expositions collectives et des installations sur site. Le partenariat stratégique avec le Centre Pompidou offre à Kanal un accès durable à l'une des collections d'art moderne et contemporain les plus prestigieuses au monde.
https://kanal.brussels/fr

Visuels :

– Léon Spilliaert, La courbe de la Digue, 1907. Collection privée
Lavis d'encre de Chine, pinceau, plume, crayon sur papier

– Léon Spilliaert, Autoportrait, 1907. Lavis d'encre de Chine, pinceau, crayon de couleur sur papier

– Michaël Borrremans, Automate, 2008. Huile sur Bois

Avec près de 5 000 œuvres, l'artiste belge Spilliaert a créé une œuvre impressionnante entre 1898 et 1946 environ, en grande partie sur papier, évoluant à la croisée du symbolisme, de l'expressionnisme et même du surréalisme, en quête de spiritualité. Autodidacte (il n'a suivi que quelques mois les cours de l'académie de Bruges), Spilliaert crée un art littéraire, nourri de ses lectures : Nietzsche, Lautréamont, Poe, Maeterlinck ou encore le poète Verhaeren.
Soleil noir invite à découvrir l'œuvre mélancoliques de Léon Spilliaert (1881-1946), tout en réunissant une centaine d'œuvres d'artistes exclusivement belges, couvrant 130 ans de création artistique.

Peindre Ostende

La vie et l'œuvre de Spilliaert sont indissociables de sa ville natale, Ostende, sur les bords de la mer du Nord. C'est là qu'il a réalisé la majeure partie de son œuvre. Une œuvre sombre et grave, quels que soient les motifs : la mer, le port, des vues de la digue, des baigneurs ou des femmes de pêcheurs. Il quittera pourtant Ostende en 1917 pour s'installer à Bruxelles, sans quitter l'encre, son médium de prédilection avec laquelle il dessine et peint des figures solitaires, des nuits inquiétantes, des intérieurs glacés.

Le parcours se déploie au fil de thématiques telles que l'autoportrait (il en a réalisé une quarantaine avec toujours autant d'intensité et de sentiment d'inquiétude), le nu, la mélancolie, le paysage ou encore la mer du Nord. Un ensemble exceptionnel d'une trentaine d'œuvres de Léon Spilliaert dont le sublime La Courbe de la digue (1908) dialogue avec les créations de ses contemporains, parmi lesquels James Ensor, Constant Permeke, Edgar Tytgat, George Minne, Jenny Montigny, Jean Brusselmans, Henry Van de Velde… L'exposition met également en lumière l'influence profonde exercée par cette tradition artistique belge sur les générations suivantes, de Luc Tuymans à Thierry De Cordier, Hans Op de Beeck et Michaël Borremans.

Jean Brusselmans (1884-1953). L'oublié de Bruxelles

cath — 2026-10-23T16:18:51Z

Bruxelles - Bozar
Jusqu'au 31 janvier 2027.
Ne pas pouvoir être mis dans une case, voilà pourquoi Jean Brusselmans (1884-1953) est peu connu, même en Belgique. Pourtant, son œuvre célébrant la nature païenne dans des paysages hauts en couleur, mêlant expressionnisme soft et constructivisme, méritait d'être redécouverte.

Jean Brusselmans, l'oublié de Bruxelles

cath — 2026-10-23T16:03:52Z

Du 2 octobre au 31 janvier 2027
Bozar – Palais des beaux-arts
23, rue Ravenstein - Bruxelles
Tarif plein : 20 €
Du mardi au dimanche, 10h-18h
Fermé le lundi
www.bozar.be

À lire. Catalogue, avec une introduction d'Ann Geeraerts, des textes de Kurt De Boodt, Eric Min, Francisca Vandepitte, ainsi qu'un entretien avec l'artiste contemporain Kristof Santy. Publié par Bozar Books & Fonds Mercator, 208 pages, relié
Deux versions distinctes : français et néerlandais. Prix : € 44,50

À voir aussi à Bruxelles : « Soleil Noir », une exposition conçue autour de l'œuvre mélancolique de Léon Spilliaert (1881-1946) retraçant près de 130 ans de création artistique, de James Ensor à Michaël Borremans en passant par Jean Brusselmans.
Boghossian Foundation-Villa Empain. Jusqu'au 19 mars 2027. En savoir plus.

Visuels :

– Jean Brusselmans, La moisson, 1930. Huile sur toile, 99 x 116 cm. Louvain-la-Neuve, Musée L – Musée universitaire de Louvain.

– Jean Brusselmans, Les jardins, 1934. Huile sur toile, 119 x 129 cm. Ostende, collection Mu.ZEE.

– Jean Brusselmans, La tempête, 1936. Huile sur toile, 147 x 147 cm. Gand, Collection Herbert Foundation.

– Jean Brusselmans, Grand printemps, 1938. Huile sur toile, 125 x 134 cm. Collection de la Fédération Wallonie-Bruxelles.

– Jean Brusselmans, La mansarde I, 1938. Huile sur toile, 131,5 x 125,5 cm. Bruxelles, Musées royaux des beaux-arts de Belgique.

Photos : L'Agora des Arts.

Oublié. Né à Bruxelles en 1884 dans un milieu populaire à la fois artistique et anarchiste, Jean Brusselmans a construit une œuvre profondément personnelle, à contre-courant des tendances artistiques de son époque, tout en restant ancré dans la tradition picturale. « Ne pas pouvoir être mis dans une case, voilà pourquoi Jean Brusselmans est peu connu, même en Belgique », explique Ann Geeraerts, la commissaire de la rétrospective que lui consacre Bozar, Palais des Beaux-arts à Bruxelles ; la première depuis 45 ans en Belgique.

S'il expérimente au début des années 1910, peignant des œuvres au réalisme sombre, c'est dans les années 1930 qu'il trouve son style. Ce sera sa période phare, la plus connue : un mélange d'expressionnisme soft et de constructivisme que l'on retrouve dans ses portraits (principalement sa femme Marie-Léonie et des ouvriers ou des paysans au travail), ses natures mortes sans relief, puisées dans son univers quotidien et ses paysages célébrant la nature de manière païenne, « pour sa seule et unique beauté » dit-il. De loin la thématique la plus intéressante et la plus réussie de son œuvre.

Anatomie d'un paysage

Les paysages sont les plus caractéristiques du style Brusselmans. Dans des couleurs assez franches (les textes des salles évoquent un « fauvisme brabançon », toutefois assez sage au regard de celui d'un Matisse, d'un Derain ou d'un Vlaminck), le peintre éclate la perspective comme Cézanne, reconstruit un paysage simplifié, plus cérébral que réaliste, par petites touches directionnelles, dans une sorte de patchwork. Il travaille de manière sérielle, utilisant sa technique de composition tel un collage pour reprendre les mêmes motifs en les réassemblant à chaque fois différemment dans d'autres tableaux, y trouvant une source d'inspiration pérenne. Brusselmans est très prolifique, produisant parfois jusqu'à 50 œuvres par an, testant ses compositions (presque toujours au format carré) dans des dessins préparatoires. Le succès commercial ne sera toutefois jamais au rendez-vous et la petite famille vivra dans la pauvreté.

Peindre l'univers quotidien

Assez sédentaire, Brusselmans peint ce qu'il voit au fil des saisons, depuis la fenêtre des différentes maisons qu'il va habiter dans la région bruxelloise. Mais il se rend chaque année sur la côte pour peindre la mer, représentant curieusement les nuages posés dans le ciel sur une invisible ligne droite qu'il aurait préalablement tracée, comme une mise au carreau, et les vagues dans des successions de moutonnements bouclés et blancs sur fond d'eau noire. Une joyeuse et poétique naïveté de l'exécution qui rappelle le langage pictural du douanier Rousseau ; que l'on retrouve jusque dans la calligraphie de la signature. On aurait envie de s'arrêter là. Car à la fin de sa vie, cet assoiffé d'expérimentation transpose ses thèmes antérieurs dans des œuvres caricaturales. Des compositions très denses, pleines d'autodérision, comme La plage (1951), Carnaval (1952) et Les Compagnons de l'Art (1949), une grande toile où il se représente avec ses confrères dont Permeke, De Smet ou encore les frères Haesaerts, avec des figures de bouffons. Mais n'est pas Ensor qui veut.

Le parcours à la fois thématique et chronologique présente en 11 chapitres près de 120 œuvres (peintures, dessins et gravures) de ce singulier artiste belge décédé en 1953, à l'âge de 68 ans. Il les fait dialoguer avec une dizaine d'œuvres de ses contemporains tels Wouters, Morandi, Permeke, Ensor…pour replacer son œuvre dans le contexte de son époque et mieux révéler la singularité d'un artiste surtout apprécié par ses pairs et les amateurs éclairés, mais qui n'est jamais parvenu à séduire le grand public. Cette nouvelle rétrospective devrait y parvenir.

Catherine Rigollet

Ni Dieu ni maître ! Arts et anarchie de Courbet à Banksy

cath — 2026-10-17T17:24:59Z

Du 10 octobre au 24 janvier 2027
La Piscine
23, rue de l'Espérance – 59100 Roubaix
Du mardi au jeudi, 11h-18h
Nocturne jusqu'à 20h le vendredi
Samedi et dimanche, 13h-18h
Tarifs : 11€/9€/7€
www.roubaix-lapiscine.com

– Co-produite avec le musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon qui l'accueillera du 27 février au 4 juillet 2027, l'exposition sera ensuite présentée au musée Ziem à Martigues du 18 septembre 2027 au 31 janvier 2028.

– À voir aussi à la Piscine : « Révolution denim » : une histoire du jean, ce tissu indigo devenu incontournable ». Du 10 octobre au 14 février 2027.

– Sous la direction de Adèle Taillefait, le catalogue « Ni Dieu Ni Maître - Arts et Anarchie » se présente comme un abécédaire avec 74 entrées thématiques ou monographiques. Octopus, 39€.

Visuels :

– Félix Vallotton, L'Anarchiste, 1892. Bois gravé, encre sur papier vélin, tirage posthume de 1930. 25,3 x 34,2 cm. © Roubaix, La Piscine.

– Paul Signac, Le Démolisseur, 1897-1899. Huile sur toile, 255 x 154 cm. Paris musée d'Orsay. Photo L'Agora des Arts.

– Maximilien Luce, Almanach de la Révolution, 1903. Brochure imprimée. 18,5 x 14 cm. Collection Michel Dixmier.

– Frantisek Kupka, Ouvrier enchaîné, gravure pour Les Temps Nouveaux (n°32, 8 décembre 1906). Vers 1905-1906, lithographie. Collection particulière. Photo L'Agora des Arts.

– Maximilien Luce, L'Échafaudage ou Le Drapeau rouge, 1910. Huile sur papier marouflé. E8,5 x 63,4 cm. © Roubaix, La Piscine. Photo L'Agora des Arts.

– Peter Pontiac (illustration), Guy Colwell (couleurs), Couverture de Anarchy Comics, n°3, 2014. Bande dessinée, éd. Stara, Mulhouse. H. 24 ; L. 17 cm. Marseille, Centre international de recherches sur l'anarchisme © Peter Pontiac, Adagp, Paris, 2026.

Terre aux mille cheminées, façonnée par l'industrie textile et les luttes ouvrières, Roubaix labellisée « Ville d'art et d'Histoire » était tout à fait appropriée pour accueillir une exposition sur les liens entre l'histoire de l'anarchie et les arts. À fortiori à La Piscine splendide bâtiment de style Art déco inauguré en 1932 comme piscine municipale, avant d'être transformé en musée d'art et d'industrie, en 2001.
C'était un défi aussi. Car si l'anarchie est basée sur le refus du pouvoir et de l'autorité, le « ni Dieu, ni Maître » selon Auguste Blanqui l'un des principaux inspirateurs de la Commune de Paris qui en fit le titre de son journal, c'est une pensée multiforme. Toutefois, par la place qu'elles réservent à la liberté individuelle, les idées anarchistes ont séduit, dès leur émergence dans les années 1840, nombre d'artistes.

En peinture, affiches, brochures, musiques…

À travers plus d'un siècle et demi de création, l'exposition raconte en tableaux, mais surtout en lithographies, affiches, revues, photographies, films…une histoire de l'anarchie et ses liens avec les arts. Elle ouvre sur l'influence de la Révolution industrielle dans l'émergence de la pensée anarchiste avec des œuvres de Jules Adler, Ferdinand-Joseph Gueldry, Aristide Delannoy ou Maximilien Luce prenant pour sujet les aciéries, les terrils, le triage de la laine ou la construction dans une vision sombre du progrès qui broie le prolétariat.
Référence incontournable de la pensée anarchiste, la Commune imprègne la culture visuelle libertaire comme l'illustre Luce, profondément marqué par ces événements, puis Eugène Delacroix et Théophile Alexandre Steilen. On le découvre aussi dans les photographies et textes des penseurs de l'anarchisme : Proudhon, Bakounine, Louise Michel, Elisée Reclus…Leurs idées se diffusent dans les journaux, les brochures, les feuilles de chou, et des revues comme Les Temps Nouveaux, publication fondée en 1895 par Jean Grave ou Le Cri du Peuple dans lequel écrit la journaliste libertaire Séverine. Une propagande par l'écrit et par l'image dont des artistes tels Gustave Courbet, Félix Valloton, Camille Pissarro, Paul Signac, Frantisek Kupka prêtent leur talent.

Les idées libertaires infusent aussi le milieu du théâtre d'avant-garde à la fin du XIX^e siècle. Des auteurs comme Octave Mirbeau, Lucien Descaves Victor Barrucand ou Nelly Roussel sont marqués par cette pensée.
L'anarchisme n'est pas que littérature, art et fleurs au fusil, entre 1892 et 1894, après une première bombe posée par Ravachol, une vague d'attentats secoue l'opinion publique en France. En réaction, la presse et les milieux intellectuels et artistiques libertaires sont aussi condamnés comme complices. Le critique Félix Fénéon et le peintre Maximilien Luce sont emprisonnés. Pissarro et Steinlen « s'exilent » en Belgique.

Une bombe dans la peinture

Dans Au temps de l'anarchie (1895) (rebaptisé Au temps d'harmonie), puis dans son monumental Démolisseur (1899), Signac signe deux toiles qui témoignent de manière assez explicite de ses convictions libertaires. Les œuvres de Luce et de Steinlen sont toutes aussi engagées, tels ces trois ouvriers de Luce qui hèlent leurs camarades au sommet d'un échafaudage, vu symboliquement comme un lieu d'élévation possible du peuple (L'Echafaudage ou Le Drapeau rouge, 1910). La toile est acquise par Signac.
À Paris, au Salon d'Automne de 1905, les futurs « Fauves » créent le scandale avec des toiles aux violents tons crus. Maurice de Vlaminck, anarchiste et collaborateur du Libertaire, y voit un « art anarchiste », une bombe dans la peinture. Mais couleurs pures n'impliquent pas engagement politique et tous les fauves ne défendent pas les mêmes idées.

Si la pensée anarchiste n'a pas totalement disparu après le premier conflit mondial et la guerre de 1936 en Espagne, il faut attendre Mai 68 pour voir la résurgence d'une culture libertaire. En chansons avec Georges Brassens et Léo Ferré par exemple, en sculptures avec les « anti-machines » de Jean Tinguely, et surtout en affiches et posters. En 1970, le mouvement punk s'en revendique, faisant fleurir ce A majuscule cerclé, symbole d'un anarchisme qui critique surtout l'autorité. Le souffle libertaire va aussi s'emparer de la bande dessinée avec des artistes comme Tardi, auteur de nombreux albums sur les deux guerres mondiales, et anarchiste attaché à sa liberté d'expression. Puis du Street art avec en tête d'affiche Banksy et son célèbre rat anarchiste. Un art provocateur, aujourd'hui pris au piège du marché de l'art.

Catherine Rigollet

Orléans, la renaissance du MBA

cath — 2026-10-16T16:03:08Z

Place Sainte-Croix - Orléans (Loiret)
Ouvert du mardi au samedi de 10h à 18h, le jeudi jusqu'à 20h et le dimanche de 13h à 18h.
Fermé les 1^er et 11 novembre, le 25 décembre, le 1^er janvier, les 1^er et 8 mai, le 14 juillet.
Plein tarif : 8 €
Tél. 02 38 79 21 83
https://museesorleans.fr/collections/

Visuels :

– Jean-Baptiste Larrivé (Lyon, 1875 – Lyon, 1928), Jeanne d'Arc en prière, vers 1915, bronze à patine argentée et dorée, colonne en marbre.

– Martial Raysse, ReLeBainTurc, 2013, diptyque en néon de onze mètres de long réalisé d'après le chef-d'œuvre de Jean-Auguste-Dominique Ingres.

À l'image de la ville qui l'abrite, le Musée des Beaux-Arts d'Orléans (MBA) sort ces temps-ci d'une torpeur de plusieurs décennies. Comme si l'ombre de la cathédrale Sainte-Croix toute proche avait recouvert d'un voile paralysant le bâtiment sobre et sans aspérité du musée, pourtant de conception très moderne lors de son ouverture en 1984 et disposant tout de même de 10 000 m² (ce qui en fait un des plus grands musées français par la superficie). Le MBA est aussi l'héritier lointain d'un premier « museum » ouvert au public en 1799 et du fructueux appel aux dons organisé par le comte de Bizemont, directeur du premier véritable musée ouvert fin 1825.
Depuis sa prise de fonction fin 2015, la directrice des musées d'Orléans Olivia Voisin a décidé de « réécrire l'histoire du musée et de donner du sens à la collection. » En cet automne 2026, nous arrivons au terme d'un impressionnant redéploiement des collections qui aura duré dix ans, la directrice soulignant avec force et conviction qu'« une collection publique n'a rien à faire en réserve ! » Les chiffres parlent d'eux-mêmes : 1300 œuvres sont désormais visibles dans plus d'une quarantaine de salles (sur quatre niveaux) du XV^e siècle à l'époque moderne et contemporaine (*).

Wanted !

Pourtant, pour Olivia Voisin et son équipe, la quête, ou plutôt la « chasse aux trésors », continue avec le lancement cet été d'une campagne remarquée d'appel à témoins, baptisée « Wanted » (sur le mode des affiches des bandits du Far West), pour retrouver les 424 tableaux volés ou disparus lors du pillage des musées orléanais au cours de l'invasion allemande de 1940 avant l'incendie de certains d'entre eux. Dans le catalogue qui recense ces œuvres, fruit d'un travail de récolement de près de trois ans, on remarque les noms de Raphaël, Pieter Brueghel le Jeune, Canaletto, Chardin ou Boudin... Ces deux dernières années, quatre œuvres ont déjà été restituées, souvent à l'issue de parcours rocambolesques ! D'ailleurs au fil des salles et des escaliers du musée, le visiteur tombe sur des reproductions à l'échelle de ces tableaux absents qui soulignent un peu plus la richesse du passé et des collections du MBA. Et peut-être qu'un jour un visiteur se dira que tel tableau lui rappelle quelque chose...

Richesse d'informations, variété des parcours

L'histoire des œuvres, de leur conception à leur entrée dans les collections, est tellement essentielle aux yeux de la nouvelle directrice qu'elle a opté pour des cartels particulièrement développés (de 1600 à 1800 signes typographiques) souvent posés au sol sur un pan incliné sous l'œuvre qu'ils documentent. Associés à un accrochage assez dense, ces copieux cartels laissent imaginer un temps de visite de plusieurs heures…Le sachant à l'avance, il est possible d'opter soit pour une visite dans la continuité ne s'arrêtant que pour détailler les œuvres « attrapant l'œil », soit pour quelques visites thématiques, nombreuses eu égard à la richesse des collections.
On peut vous proposer un parcours des chefs-d'œuvre (d'Alexandre Antigna à Velasquez en passant par Cogniet, Courbet, Gauguin ou Guido Reni), un parcours de tableaux d'histoire, un autre de sculptures, un de paysages, un de portraits, un parcours de l'époque romantique (le MBA est particulièrement bien doté en œuvres de cette période), un parcours autour de Jeanne d'Arc (ne pas oublier que nous sommes à Orléans !) ou un parcours moderne et contemporain (Arroyo, Cueco, Debré, Hantaï, Monory, Raysse, Zao Wou-Ki…), les salles concernant ces dernières périodes n'ayant été rouvertes dans leur nouvel accrochage qu'en juin dernier… Une application mobile permet de choisir sur place son parcours parmi les nombreuses thématiques. Un musée vivant dans une ville qui s'ébroue et cache d'autres trésors, au cœur d'une région d'art et d'histoire, tout nous incite à passer de très enrichissants séjours à Orléans !

Jean-Michel Masqué

(*) Le MBA compte au total 2200 peintures, 700 sculptures, 13 000 dessins, 200 pastels, 40 000 estampes et 1500 photographies.

Miró. Protestation

cath — 2026-10-12T11:57:11Z

Du 3 octobre 2026 au 7 mars 2027
Les Abattoirs Musée-FRAC Occitanie Toulouse
76, Allées Charles de Fitte (Toulouse, Haute-Garonne)
Du mercredi au vendredi de 12h à 18h, le samedi et le dimanche de 10h à 18h
Plein tarif : 12 €
Tel. 05 62 48 58 00
www.lesabattoirs.org

Visuels :

– Joan Miró, Peinture, 1927, huile sur toile, 96,5 x 128,5 cm, inv. : SIGROPAM 15113, Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo, INBAL - Secretaría de Cultura © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Ubu roi, 1966, lithographie originale en couleur sur papier Vitela Arches, 46,5 x 68,5 cm, inv. : EBM 303, Es Baluard Museu d'Art Contemporani de Palma, Govern de les Illes Balears collection long-term loan. Provenance : Pere A. Serra collection © Successió Miró /Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Pere Portabella, Miró l'altre, 1969, film, couleur, son, 15 minutes, courtesy Estate of Pere Portabella © Estate of Pere Portabella / Films 59

– Joan Miró, Sobreteixim 4, 1972, laine, fil, acrylique, tube en carton et collage sur suspension murale brodée par Josep Royo, 195 x 147 x 25 cm, inv. : T16JM 0063, Fundação de Serralves - Museu de Arte Contemporânea, Porto. Dépôt de la collection d'art contemporain de l'État portugais © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Merma, 1977, 8 éléments : coiffe, pieds, mains et pantalon, techniques mixtes, dimensions variables, inv. : FJM 12830-12840, Fundació Joan Miró, Barcelone © Successió Miró /Adagp, Paris, 2026 ; photo : DR

– Joan Miró, Josep Royo, Tapís de Tarragona, 1970, tapisserie d'Aubusson, jute, coton, chanvre et laine, 285 x 402 cm, inv. : NIG 4044, Museu d'Art Modern de la Diputació de Tarragona, Tarragone © Successió Miró / Adagp, Paris, 2026 / Courtesy Josep Royo ; photo : Diputació de Tarragona, Arxiu Fotogràfic MAMT / Lila Alberich

L'artiste catalan aux multiples facettes Joan Miró (1893-1983) n'avait pas fait l'objet d'une grande exposition à Toulouse depuis 1987 ! Des lustres pour une ville dont on connaît les attaches particulières avec l'Espagne, la Catalogne en particulier. Alors qu'une rétrospective de l'artiste a commencé fin juin à Perpignan (*) sur la période qui va de son installation définitive à Palma de Majorque (aujourd'hui jumelée avec Perpignan et où se trouve la Fondation Pilar et Joan Miró) en 1956 à son décès en 1983, les Abattoirs, haut lieu toulousain de l'art moderne et contemporain, a trouvé un angle original pour montrer Miró, apporter « un regard plus contemporain sur son travail », estime la directrice Lauriane Gricourt. Elle a confié le co-commissariat de cette exposition, « Joan Miró. Protestation », au critique d'art, professeur et curateur indépendant Carles Guerra, lui-même d'origine catalane qui s'avoue d'ailleurs plutôt lassé du vedettariat exacerbé et des clichés variés que subit le célèbre Catalan depuis sa mort et que supporte tout compatriote quelque peu féru d'art…

Le sens de cette exposition part d'un assaut surréaliste en règle, qui se matérialisa justement par un tract intitulé Protestation, mené par les intransigeants, sinon sectaires, Aragon et Breton en 1926 contre Ernst et Miró, coupables aux yeux des dépositaires de la « pureté surréaliste » d'avoir « vendu » leur talent aux Ballets russes de Diaghilev pour les décors et costumes du ballet Roméo et Juliette ! Ce qui ne les exclut pas pour autant de la mouvance surréaliste qu'ils continuèrent à fréquenter encore des années. Cependant, cela pique suffisamment le placide Miró pour qu'il retourne la charge et commence à protester à sa façon, plutôt souterraine, contre les drames du siècle (qui dureront en Espagne de 1936 à 1975) et les traditions artistiques. Dans un entretien avec l'éditeur Tériade publié en avril 1930, Miró indique même son souhait de vouloir « assassiner la peinture ». Ce sont ces différentes tentatives d'assassinat, de protestations en tables rases autant politiques qu'artistiques, que dévoile l'exposition toulousaine. Elle nous invite à voir sous un nouveau jour, à travers des pièces rarement montrées, l'œuvre de Miró qu'il nous faudra désormais considérer aussi comme un rebelle.

L'art malmené, la dictature en filigrane

L'artiste, qui a déjà exploré plusieurs veines plastiques depuis ses débuts, malmène pendant une dizaine d'années ses créations en superposant, par exemple, sur des toiles brutes non enduites ou sur des plaques d'isorel un assemblage de peinture, de sable, de goudron ou de papier de verre. Il invente aussi quelques « objets-peintures ». Fuyant l'Espagne en guerre en 1937, Miró se décale encore en revenant travailler à la Grande Chaumière, académie qu'il avait déjà fréquenté dans les années vingt. Il y réalise une série d'une centaine de dessins de nus féminins, dont cinquante-quatre sont accrochés ici, au tracé épuré et à l'aspect difforme, des corps contorsionnés qui semblent souffrir ou protester… Deux séries de gravures, exceptionnellement présentées à Toulouse, Noire et rouge (1938) et Barcelone (1939-1944), attaquent par la caricature l'ignominie du régime dictatorial franquiste dans un chaos qui mêle figures grotesques et motifs de l'univers de Miró (étoile, oiseau, lune).

Des années soixante aux années quatre-vingt, par des séries de grands formats à l'abstraction apparemment détachée du réel, Miró se fait peintre d'histoire. « Caractérisées par un certain dépouillement, l'emploi de traits vifs et de formes colorées, les toiles réunies ici échappent à toute représentation classique d'un événement historique. Elles sont pourtant le reflet d'un traumatisme, un silence éloquent de la peinture face au drame qui se joue », estime Carles Guerra. Ces grands formats dialoguent avec trois magnifiques toiles Sans titre (triptyque à l'acrylique et au charbon) de 1973-1974, trois sortes de paysages à l'astre noir, le crépuscule du Caudillo…

À la même époque, Miró poursuit la profanation de sa peinture avec ses « Toiles brûlées » (une des cinq existantes est exposée) dont le processus de création-destruction est filmé pour un documentaire que l'on peut voir à proximité de la toile. L'artiste qui approche de ses quatre-vingts ans ne cesse d'expérimenter. Sa rencontre puis sa collaboration avec l'artisan tapissier Josep Royo (1945) marque un nouvel élan vers un art textile de toute beauté et de grande ampleur. L'exposition toulousaine peut se targuer de montrer sa première tapisserie (Tapis de Tarragona de 1970) et sa dernière (1980) pour la Fondation Maeght. Enfin un dernier ensemble nous ramène à la fantaisie et au théâtre, un univers toujours cher à Miró, à travers le Ubu de Jarry qui l'a toujours fasciné pour sa charge hénaurme contre les dérives et les délires du pouvoir. Ses planches en couleur pour Ubu roi , Ubu aux Baléares (!) et L'Enfance d'Ubu sont ici accrochées. Miró s'est inspiré d'ailleurs d'Ubu pour créer les fantastiques et démesurés personnages de la pièce Mori el Merma (« Mort au tyran ») créée par la troupe de théâtre de rue La Claca en 1978. Clou de l'exposition, six de ces personnages nous laissent, dans la nef des Abattoirs, entre le rire et l'inquiétude. Jusqu'au bout, Miró a utilisé tous les moyens à sa portée pour exprimer sa poésie, sa fantaisie et sa révolte.

Jean-Michel Masqué

(*) jusqu'au 31 décembre 2026 au musée Hyacinthe-Rigaud (www.musee-rigaud.fr).