L'agora des arts

Simon Hantaï. Le pliage comme méthode

cath — 2013-05-22T09:04:12Z

Du 22 mai au 9 septembre 2013
Centre Pompidou
Tous les jours de 11h à 21h, sauf le mardi
Prix : 11 à 13€, selon période
Tarif réduit : 9 à 10€
Valable le jour même pour le Musée national d'art moderne et l'ensemble des expositions
Tél. 01 44 78 14 63
www.centrepompidou.fr

A lire : "Penser la peinture : Simon Hantaï", par Molly Warnock, commissaire des expositions Simon Hantaï qui se sont tenues en 2010 à la galerie Jean Fournier à Paris et à la Paul Kasmin Gallery à New York. Editions Gallimard. Collection Art et Artistes. 29€

On connait surtout les grandes œuvres de Simon Hantaï issues de la technique du pliage mise au point à partir de 1960 avec une première et éblouissante série, les Mariales. Hantaï peint « en aveugle » sur des toiles sans châssis, préalablement pliées, en les recouvrant de couleurs. Puis il défroisse les toiles, les met à plat et la surface de la peinture apparaît comme déchirée, la lumière à l'air de venir dans la couleur, de par derrière, sur le mode d'un vitrail. À nulles autres pareilles, ces Mariales, qui seront suivies d'autres séries d'œuvres issues de pliage selon des modes très différenciés (Catamurons, Panses, Meuns, Blancs, Tabulas) signent l'œuvre de cet artiste né en Hongrie en 1922, arrivé à Paris en 1948 et qui vivra en France jusqu'à sa mort en 2008. Sa technique du pliage, qui doit beaucoup à Cézanne et Matisse témoigne aussi de l'importance croissante du « non peint » dans son travail. En froissant, plissant, nouant même ses toiles puis les ouvrant après les avoir peintes, Hantaï laisse entrer de plus en plus le blanc. Les formes peintes comptant pour lui autant que le non-peint, et en déterminant une plus grande perception. Ce procédé de peinture-pliage influencera des artistes français de la génération suivante comme Daniel Buren et les peintres du mouvement Supports-Surfaces tel Viallat.

La magistrale rétrospective que lui consacre le Centre Pompidou, la première depuis plus de trente-cinq ans, magnifie les grandes séries de pliages débutées en 1960, jusqu'aux Laissées créées de 1981 à 1995, des toiles découpées dans des Tabulas, à la manière des papiers découpés de Matisse ; Hantaï ayant trouvé dans le ciseau un nouveau pinceau.
Mais l'exposition révèle aussi un autre Hantaï, un peintre d'une étonnante diversité et un penseur, profondément engagé dans une réflexion sur la peinture. Dans le film projeté au cœur de l'exposition où on le découvre en sueur plonger sous un monumental Tabula pour en dénouer les liens et libérer la couleur, il cite avec éblouissement un texte que Cézanne a écrit sur sa possibilité de peindre enfin la Sainte Victoire, lorsqu'il a pris conscience que son ombre était convexe, qu'elle fuyait de son centre.

Au fil du parcours chronologique, on découvre les premières toiles qu'Hantaï réalise après son arrivée à Paris traduisant encore l'influence des primitivistes hongrois et portant la marque de son séjour en Italie (Les Baigneuses). Puis entré dans le cercle des surréalistes, il va expérimenter des techniques très diverses : collage, frottage, grattage, et déjà le pliage. Ses grandes toiles colorées sont couvertes de formes organiques comme ce superbe Femelle-Miroir II de 1953, et bientôt de coulures et drippings, car Hantaï rompt très vite avec Breton. En écho aux toiles de Pollock, et à la manière de Georges Mathieu qu'il fréquente un temps, ses peintures deviennent de plus en plus gestuelles, libérées par la vitesse du geste et surtout abstraites. Dans la galerie de Jean Fournier, il expose en 1956 ses nouvelles toiles abstraites et entame une autre recherche esthétique et formelle avec la juxtaposition de touches régulières dans un jeu de mouchetis et de grattages. Il s'attelle en même temps à une œuvre monumentale dans laquelle il transcrit la liturgie entendue à la messe du jour (Peinture -Ecriture rose). Hantaï n'a encore rien produit de si grand (329,5 x 424,5 cm), ni comportant de l'écriture, même si elle est totalement indéchiffrable. Dans le même esprit, il réalise À Galla Placidia, une autre peinture de signes. Pour la première fois depuis qu'elles ont été peintes, les deux œuvres sont réunies dans une même salle. Elle sert de charnière avec le début des années 1960 et l'avènement du « pliage comme méthode », définitive.

Retiré du monde de l'art à partir de 1982, après sa consécration à la Biennale de Venise, Hantaï se refuse à exposer sauf en d'exceptionnelles occasions. Cinq ans après sa mort en 2008, à quatre-vingt-cinq ans, cette rétrospective de son œuvre, conçue par les commissaires Dominique Fourcade, Isabelle Monod-Fontaine et Alfred Pacquement, est la première depuis celle de 1976, à Paris, au Musée national d'art moderne, dans les locaux du Palais de Tokyo, quelques mois avant l'ouverture du Centre Pompidou. Un superbe retour.

Catherine Rigollet

Visuel page expo : Simon Hantaï, Mariale mc3, 1962, collection particulière. Adagp Paris 2013. Et Tabula, 1980. Centre Pompidou- Mnam. Adagp-Paris-2013
Visuel accueil : Simon Hantaï. Meun , 1968. Collection particulière. Adagp Paris 2013 / Laissée, 1981-1994, Collection particulière. Adagp Paris 2013 / Panse, 1964 Collection particulière. Adagp Paris 2013 / Étude, 1969. National Gallery of Art Washington. Adagp Paris 2013.

Victoria Klotz. « Les hôtes du logis »

cath — 2013-05-21T15:45:14Z

Victoria Klotz. « Les hôtes du logis »
Du 1er juin au 20 octobre 2013
La Maladrerie Saint-Lazare
203 rue de Paris - 60000 Beauvais
Tél. 03 44 15 67 61
& Place des Maréchaux
Accès libre tous les jours de 11h à 18h, sauf le lundi
www.beauvais.fr

Ouvert au public en 2009, le site médiéval de la Maladrerie Saint-Lazare accueille la création contemporaine en ses murs. À la suite des interventions de l'artiste hollandais Krijn de Koning (2010) et du studio franco-américain Cao | Perrot (2012), Victoria Klotz investit avec « Les Hôtes du Logis » la maladrerie ainsi que la place des maréchaux, autre lieu historique et emblématique de la ville. Victoria Klotz interroge depuis 1997 le fragile équilibre qui existe entre l'homme et le monde, questionnant en particulier nos relations à la nature ou l'animalité, sauvage ou domestiquée. Consciente que l'humanité doit revenir à une utilisation plus équitable du monde, cette artiste née en 1969, à la grande période du Land Art, fonde son travail sur une relation intime avec la part sauvage qui nous habite… Son travail, qui prend la forme de dispositifs d'observation et d'écoute (installations, vidéos, bandes sonores, photographies...), a été présenté récemment, lors d'expositions personnelles, à l'abbaye de Daoulas (Finistère), au château des Adhémar (Montélimar) ainsi qu'au musée de Millau et des grandes Causses. L'exposition à Beauvais met en scène sur des tables et des chaises, un renard, une cigogne, un sanglier, un phoque moine, un chevreuil, un ours, etc. L'introduction en milieu urbain de ces animaux sauvages, plus vrais que nature, évoque la place de l'animal dans la cité, et plus particulièrement le thème de la commensalité et du partage de l'espace public. Magnétiques et spectaculaires, les sculptures animalières deviennent le temps d'un été, des figures glorieuses qui invitent l'homme à faire appel à sa part de sauvage et à méditer sur sa propre condition.

À voir aussi à Beauvais :

Plein Champ / Tapisseries de Dom Robert
Point d'orgue de la renaissance du quartier épiscopal, la reprise de la Galerie nationale de la Tapisserie par la Ville (printemps 2013) annonce un programme culturel d'expositions de grande envergure. En échange, Beauvais rend à l'État, la Manufacture de la Tapisserie, qui rejoint ainsi le Mobilier National. Ce programme débute avec « Plein Champ », exposition dédiée à l'œuvre de Dom Robert, moine bénédictin et grand maître de la tapisserie au cours de la seconde moitié du XXe siècle. L'histoire de la tapisserie est abordée avec un ensemble d'études réalisées au XIXe siècle par les Milice, une dynastie d'ouvriers d'art œuvrant à Beauvais et par deux tapisseries datées du XVIe siècle, un siècle avant la fondation de la Manufacture nationale (1664). L'œuvre de Dom Robert entrera en résonance avec une sélection d'œuvres et d'installations réalisées par six artistes contemporains d'audience internationale : Carole Chebron, Roni Horn, Romain Kronenberg & Benjamin Graindorge, Didier Marcel et Olivier Sévère. Du 14 mai au 18 août 2013. Exposition ouverte du mardi au vendredi de 12h à 18h, les samedis et dimanches de 10h à 18h Entrée libre.

Skertzò, « Beauvais : la cathédrale infinie »
Pour la seconde année consécutive, Skertzò renouvelle son exploration poétique, lumineuse et chantée de la cathédrale Saint-Pierre. La nuit tombée, en continuité avec la cathédrale Saint-Pierre, les projections de Skertzò se prolongent cette année jusqu'à la Galerie nationale de la tapisserie. Spectacle gratuit. Représentations de 20 minutes, jouées 2 fois par soirée, les week-ends Parvis de la cathédrale. Du 14 juin au 15 septembre 2013.

Photaumnales 2013
Temps fort autour de la photographie contemporaine avec le 10e anniversaire du Festival des Photaumnales créé par Fred Boucher et Adriana Wattel de l'agence Diaphane. Du 14 septembre au 3 novembre 2013. www.photaumnales.fr

Visuel : Victoria Klotz, Les Hôtes du Logis, projet de création pour la place des Maréchaux, Beauvais, 2013.

Rêves d'architecture

cath — 2013-05-20T09:45:56Z

Du 12 mai au 27 octobre 2013
Espace de l'Art Concret
Château de Mouans – 06370 Mouans-Sartoux (30 minutes en voiture de Nice)
Horaires d'hiver, du 1er Sept. au 30 juin, du mercredi au dimanche de 12h à 18h
(Nouveaux horaires à partir du 1er Sept. 2013, mercredi au dimanche / 13h - 18h)
Horaires d'été, du 1er juillet au 31 août, tous les jours de 11h à 19h
Entrée : 7€
www.espacedelartconcret.fr

Si l'architecture est leur vocabulaire, leurs créations nous font entrer dans un univers totalement fictionnel. Ainsi Laurent Mareschal dessine des plans de maisons témoins en sucre roux. Rémy Jacquier construit des maquettes de pavillons tels des petits garages pour enfants. Chez Estefania Peñafiel, les villes se résument à des longitudes et latitudes. Vincent Ganivet nous entraîne même jusqu'à l'absurde avec ses fines arches édifiées avec des parpaings, toujours à la limite de l'instabilité. Mais la possibilité de l'effondrement fait partie intégrante du travail de l'artiste. Avec l'exposition « Rêves d'architecture », l'Espace de l'Art Concret poursuit une programmation axée cette année sur les relations entre arts plastiques et architecture et propose un voyage entre utopie et réalité en compagnie d'une quinzaine d'artistes : Simon Boudvin, Vincent Ganivet, Rémy Jacquier, Bertrand Lamarche, Laurent Mareschal, Wesley Meuris, Eden Morfaux, Estefania Peñafiel Loaiza, Eve Pietruschi, Emmanuel Régent, Andrea Sala, Benjamin Sabatier, Veit Stratmann, Wilson Trouvé et Morgane Tschiember.

Catherine Rigollet

Visuel : Vincent Ganivet, Caténaires, 2010. Exposition “Le bel accident”, Le Confort moderne, Poitiers Parpings, bois. Dimensions variables. Courtesy de l'artiste © droits réservés

Vanessa Winship. She dances on Jackson

cath — 2013-05-17T14:48:08Z

Du 15 mai au 28 juillet 2013
Fondation Henri Cartier Bresson
2, impasse Lebouis, 75014 Paris
Du mardi au dimanche, de 13h à 18h30
Le samedi, de 11h à 18h45
Nocturne gratuite le mercredi, de 18h30 à 20h30
Plein tarif : 6€
Tél. 01 56 80 27 00
www.henricartierbresson.org

Les ratés du rêve américain

L'exposition débute par une photo manquée, celle d'un orchestre sur le quai de la gare à Jackson et de deux femmes sorties de la foule pour venir danser devant les musiciens … une scène de vie qu'étonnamment Vanessa Winship a choisi de ne pas photographier. Eut-elle été prise, sans doute aurait-on perçu l'atmosphère mélancolique qui la nimbait. Qu'importe, ce n'est pas ce vécu en direct qui intéresse la photographe anglaise, née en 1960, qui dissocie les lieux et les protagonistes. Depuis ses longs séjours dans les Balkans où elle a vécu près de 10 ans, elle a laissé de côté le reportage pour privilégier la frontalité des portraits, exprimer des identités de gens et de territoires. À l'automne 2011, après avoir reçu le prix HCB, elle a eu envie de traverser l'Atlantique en quête de ce fameux "rêve américain". Ce qu'elle a découvert : une Amérique de faubourgs sinistres, aux rues interminables désertées par les piétons. Une Amérique de bungalows posés sur des terres dénudées. Une Amérique où la nature sauvage cherche à survivre aux bords des autoroutes, où l'on regarde passer un vol de grues avec l'envie de fuir avec elles vers d'autres horizons, où les arbres aux ramures immenses ne parviennent plus à verdir. De cette Amérique passée à côté de son rêve, elle a aussi saisi de nombreux portraits, de jeunes notamment. Leurs yeux interrogatifs et leur absence de sourire en disent long sur leurs attentes et la morosité ambiante. Avec une empathie que l'on devine pour ce pays et ses habitants, à travers la beauté de ses photographies, l'intemporalité et la nostalgie que génère le noir et blanc, Vanessa Winship nous renvoie, sans illusion, son propre regard sur dit-elle : « cette curieuse et inévitable solitude et mélancolie crée par la quête du rêve américain ».

Catherine Rigollet

Visuel page expo : Printers Row, Old Colony Building, Chicago, Illinois, 22 Novembre 2012 Visuel page d'accueil : Deer on highway embankment, Buffalo, New York, 4 Novembre 2012

François 1er et Rosso Fiorentino. Le Roi et l'artiste

cath — 2013-05-15T16:33:41Z

Du 23 mars au 24 juin 2013
Château de Fontainebleau
77 300 Fontainebleau
Tous les jours, sauf mardi, de 9h30 à 18h
Attention : dernier accès 16h45
Entrée : 11€ (circuit château et expo)
Tél. 01 60 71 50 60
www.chateaudefontainebleau.fr

En 1528, François 1er prenait la décision de se fixer à Paris et d'embellir la capitale et ses alentours afin d'inscrire son règne sous les auspices de la magnificence. Le temps des fêtes et des chasses en Val de Loire était désormais révolu. S'ouvrait celui de Fontainebleau, demeure préférée entre toutes. Pour l'embellir, le roi espéra convaincre quelques-uns des plus grands maîtres italiens d'entrer à son service. Michel-Ange et Giulio Romano refusèrent l'offre. D'autres se laissèrent séduire. Giovanni Battista di Jacopo (1494-1540), surnommé Rosso Fiorentino, le Florentin roux, arriva à Fontainebleau en 1530. Entre 1530 et 1540, Rosso créa à Fontainebleau plusieurs grands décors dont le plus important et le seul qui nous soit parvenu est la galerie François Ier, ornée entre 1533 et 1539 de lambris sculptés, de fresques et de stucs. Un décor d'une extraordinaire liberté d'invention. Le style des peintures de Rosso, d'un maniérisme exacerbé, a inspiré de nombreux graveurs qui dès le début des années 1540 ont reproduit les scènes peintes et les encadrements de stuc de la galerie, donnant naissance à la première École de Fontainebleau. L'exposition qui se tient dans la salle de la Belle Cheminée évoque la rencontre majeure de l'esthétique italienne et de l'art français à travers une centaine d'œuvres inspirées au XVIe siècle par la galerie François 1er. Une exposition qui entre en résonance avec celle sur les splendeurs du maniérisme en Flandre (1500-1575), présentée en exclusivité à Cassel jusqu'au 29 septembre 2013. En savoir plus.

C.R

Visuel : Galerie François 1er à Fontainebleau : L'unité de l'Etat. Rosso Fiorentino (dit) (1494-1541) Rossi Giambattista di Jacopo Guaspare. Technique/Matière : fresque (technique), haut-relief, stuc. Crédit photographique : RMN-Grand Palais (Château de Fontainebleau) / Gérard Blot

Hiroyuki Nakajima. Forme de zen

cath — 2013-05-15T15:49:33Z

Hiroyuki Nakajima. Forme de zen
Du 2 au 30 mai 2013
Galerie Mansart
5, rue Payenne – 75003 Paris
Tél. 09 52 48 86 08
www.focus-5.fr

Ses performances sont aussi puissantes et brèves que mémorables, comme celles réalisées pendant le 60e Festival d'Avignon en 2006. Installé dans la chapelle Saint-Charles, l'artiste japonais Hiroyuki Nakajima a réalisé une série de douze performances constituant une double interprétation de la représentation de la lune, en s'inspirant de l'état précis de l'astre au moment où il dessine. Avec une gestuelle aussi importante que le trait lui-même et son symbolisme, il a tracé avec son lourd pinceau trempé dans l'encre de Chine d'immenses lignes noires sur une feuille de riz, posée à même un tatami. Une trace noire mystérieuse, prolongement de la main de l'homme mais aussi de son état intérieur, dialoguant avec la surface blanche et permettant de tout imaginer. Une œuvre à chaque fois unique. Né au Japon en 1956, Hiroyuki Nakajima a commencé à apprendre la calligraphie japonaise (sho) à partir de 6 ans. Le sho est notamment considéré comme une sorte d'exercice pour obtenir une belle écriture. Mais peu de personnes se consacrent à en maîtriser les techniques avancées – le maniement adroit du pinceau – jusqu'à devenir des calligraphes professionnels. N'ayant pas souhaité devenir maître et ouvrir une école, il a choisi d'être artiste à 35 ans en faisant de la calligraphie non plus un exercice, une discipline, mais un mode d'expression, proche de l'expressionnisme abstrait. À partir de 2000, il a commencé à réaliser des performances qui mettent en scène le tracé calligraphique comme l'une de ses expressions. Centrée sur le mouvement du corps en relation avec le tai-chi, une partie de son travail est basé sur la respiration qu'il fait partager au public en travaillant avec un micro. La galerie Mansart accueille ses œuvres dans le Marais, à Paris.

Catherine Rigollet

Visuel page expo : Hiroyuki Nakajima. Lever du soleil. Encre papier de riz. Visuel vignette : Lune.

1. En couleurs et en lumière.

cath — 2013-05-14T15:00:59Z

Ouvrage collectif. Sous la direction de Céline Ernaelsteen et Alice Gandin
Catalogue de l'exposition du Musée de Normandie à Caen, du 27 avril au 29 septembre 2013
Skira Flammarion, 2013
176 p., 29 €
ISBN : 9782081300323

La couleur est entrée tardivement dans la pratique photographique. Il a fallu pour cela attendre l'invention du procédé autochrome. En 1903, Les frères Lumière déposent le brevet de l'Autochrome, diapositive en couleurs sur plaque de verre qui constituera le premier procédé photographique couleurs accessible au grand public. Cette invention est accueillie avec grand retentissement, tant, depuis la divulgation du daguerréotype en 1839, la couleur apparaissait comme l'élément manquant, l'objet de toutes les quêtes. À partir de 1907, la production industrielle d'autochromes et sa commercialisation vont impulser une nouvelle manière de représenter le monde et de composer les images. Les liens avec la peinture, notamment l'impressionnisme, se tissent à nouveau, à travers le rendu de la lumière et des variations atmosphériques mais aussi des choix iconographiques. La Normandie, terre rêvée des artistes pour sa lumière et ses ciels changeants, fut une région largement explorée par les photographes professionnels et amateurs. L'exposition En couleurs et en lumière (du 27 avril au 29 septembre 2013 au musée de Normandie de Caen) présente une sélection inédite de plaques autochromes, issues de collections publiques et privées prestigieuses (Musée d'Orsay, Société Française de Photographie, Cinémathèque Robert Lynen, Musée Albert-Kahn, Archives départementales de la Manche). Paysages, monuments, portraits et scènes de genre, photographiés pour la première fois en couleurs, illustrent les liens ténus entre photographie couleur, impressionnisme et néo-impressionnisme. Ce très bel album les réunit, accompagnés de textes explicatifs.

Franco Adami, monumental

cath — 2013-05-14T14:43:03Z

Du 15 mai au 15 septembre 2013
Parc du Domaine des Roches
2, rue de la Plaine – 45250 Briare (1h15 de Paris par A77)
Tél. 02 38 05 09 00
Tous les jours
www.domainedesroches.fr

Le Domaine des Roches bâti par la famille créatrice des Emaux de Briare est un site décoré de nombreuses mosaïques.

À l'occasion des 80 ans du sculpteur Franco Adami, la galerie Anagama lui consacre une double exposition. D'abord à la galerie à Versailles, du 21 avril au 20 mai, avec des sculptures "intimistes" de relative petite taille, exposées aux côtés de peintures-dessins préparatoires, puis du 15 mai au 15 septembre au Domaine des Roches à Briare avec dix-sept sculptures monumentales, importées de Pise et installées en plein air.
Italien d'origine, mais français d'adoption depuis son arrivée à Paris en 1957, ami de Collamarini et Zadkine, Adami a construit un œuvre sculptée puissante et fantasque, en marbre et en bronze, reconnaissable par ses formes mi-humaines, mi-animales, très épurées, massives, presque robotisées. Ce Toscan formé aux Beaux arts à Florence privilégie les rondeurs, les boules, les enroulements et les formes annelées évoquant des casques ou la carapace d'une langouste ou d'un tatou. Chaque sculpture est porteuse de sens et de références (le monde des insectes, la vengeance du serpent, Le centaure, Horus, Hommage à Galilée, etc.) On parle souvent de ses inspirations étrusques, romaines, égyptiennes, aztèques…À partir de 1987, il a aussi ramené de plusieurs séjours en Afrique noire des idées de totems et de masques. Internationalement reconnu, Franco Adami qui vit et travaille entre Paris et Pietrasanta, a reçu le prix Fernand Dupré de sculpture en 1981 et le prix de Sculpture de la Fondation de France en 1987. Il a exposé dans de nombreux pays et participé à de grandes foires internationales (Fiac, TEFAF de Maastricht, Art Fair Cologne, Art Fair Miami, etc.). En 2009-2010, il a réalisé pour l'Opéra Giacomo Puccini de Torre del Lago les décors du centenaire de l'Opéra La Fanciulla del West.

Catherine Rigollet

Visuel : L'escalier, L'étreinte et Prima del Punto, Franco Adami. Installation au Domaine des Roches

65. Affiche Quai Branly à Cergy-Pontoise

cath — 2013-05-14T14:31:20Z

Manet. Ritorno a Venezia

cath — 2013-05-14T14:15:55Z

Manet. Ritorno a Venezia (Manet. Retour à Venise)
Du 24 avril au 18 août 2013
Palais ducal. Venise – Italie
Vaporetto 1 ou 2, arrêt Vallaresso ou San Zaccaria
Dimanche à jeudi, de 9h à 19h. Vendredi et samedi, de 9h à 20h
Entrée : 13€
www.mostramanet.it

Catalogue. 280 pages, 231 illustrations. Editions Skira / Fondazione musei civivi Venezia. Prix 40 euros.

Vénus et Olympia, confrontation historique

C'est l'exposition des premières fois ! Pour cette première exposition consacrée à Edouard Manet (1832-1883) en Italie, c'est aussi la première fois que sa célèbre Olympia quitte la France ; le président de la République ayant accordé ce prêt comme le souligne Guy Cogeval président du musée d'Orsay. C'est aussi la première fois et peut-être l'unique fois qu'elle côtoie La Vénus d'Urbin peinte par Le Titien, prêtée exceptionnellement par la Galerie des Offices de Florence. Une comparaison éloquente et historique entre ces chefs d'œuvre pour une conversation rêvée par tout historien d'art. Une confrontation, ou plutôt une connivence entre Vénus et Olympia, incroyable et troublante. Il a fallu qu'Olympia, peinte en 1867, vienne en Italie pour que Vénus puisse quitter les bords de l'Arno et retrouver la ville vénitienne où elle fut peinte en 1538. Comme le souligne Gabriella Belli, directrice de la Fondation des Musées Civils de Venise, « si la Vénus est là c'est grâce à Olympia et si Olympia est là, c'est grâce à Vénus ». Que de tractations diplomatiques n'a-t-il fallu pour que ces deux belles quittent leurs demeures et se retrouvent dans les appartements privés du doge au Palazzo ducale, aux murs couleur aubergine, pour ce duel voluptueux entre deux icônes ! Et, pour paraître encore plus belle, Olympia a eu droit à un léger toilettage qui a révélé sa chevelure. Saluons la scénographie très simple de l'exposition, les œuvres, rien que les œuvres, la lumière les effleurant sans mise en scène d'opéra comme trop souvent à Paris ! Et, il ne fallait pas moins que le Palais des doges pour accueillir ces deux divines accompagnées de toiles, dessins et estampes de Manet et d'artistes italiens. Le propos de cette exposition, insiste Gabriella Belli, au delà de cette « confrontation médiatisée » entre deux stars est « la révélation de l'âme italienne de Manet peu étudiée jusqu'à présent (il séjourna trois fois en Italie à partir de 1853, dont à Venise durant un mois, dès la première année) et comment l'esprit des maîtres anciens influença la modernité de sa peinture ». Manet, lors d'un de ses voyages florentins, exécuta (en 1853 ou 1857) une copie de cette Vénus commandée par le prince Guidobaldo II della Rovere et destinée à la seule contemplation privée. Ce tableau des Offices, considéré comme scandaleux à l'époque de Manet, puisque caché au regard du public derrière un écran (à l'instar de L'origine du monde de Courbet), était visible de quelques peintres. La main gauche de cette Vénus ne touche-t-elle pas son sexe, un cas unique dans la peinture du nu féminin comme le souligne Guy Cogeval, alors que la main gauche d'Olympia se montre pudique ? Théophile Gautier avait en 1864 parlé de cette Vénus dans son poème Musée secret « Baignant avec indifférence / Dans son manchon ses doigts menus ». Stéphane Guégan, commissaire de l'exposition, voit une représentation du sexe chaud dans cette jeune femme idéalisée dans la fleur de sa beauté au contraire d'Olympia au sexe froid et tarifé. Si le chien symbolise la fidélité chez Titien, il devient un chat noir à la queue tendue chez Manet. Au lieu de la profondeur de champ extraordinaire avec les servantes fouillant dans un coffre et ce mur fermant l'espace, l'on a cette merveilleuse servante noire apportant le bouquet du protecteur. Le côté irradiant de la peau de Vénus, par la technique vénitienne de superposition de couches de peinture conférant ce moelleux, s'oppose à la blancheur d'Olympia. Mais, toutes deux fixent le spectateur, langoureusement chez la princesse, émancipée chez la courtisane. En neuf sections divisées par thèmes illustrant les genres, l'évolution et les nouveautés étonnantes - souvent incomprises par la critique dominante de l'époque – des formes d'expression de Manet, le parcours de cette exposition révèle les affinités entre le peintre français et les maîtres italiens du seizième siècle qu'il contempla lors de ses voyages dans la péninsule, ou en les copiant au Louvre. Le dialogue entre les Deux dames vénitiennes de Carpaccio et Le balcon est étonnant comme l'est celui du Jeune homme dans son cabinet de travail de Lorenzo Lotto avec le Portrait d'Emile Zola. Des comparaisons physiques qui n'avaient jamais été faites, des chocs émotionnels méritant le déplacement à Venise. Ce n'est pas l'affiche d'Olympia que vous verrez sur la façade extérieure du palais des doges mais Le fifre. La nudité ne s'affiche pas à quelques mètres de la basilique Saint-Marc ! Mais, vous la contemplerez, en panneau lumineux dès le hall d'arrivée de l'aéroport. À quel prix Olympia et les Manet d'Orsay ont-ils pu quitter les bords de Seine ? La compensation financière demeure un secret d'état, comme l'était, à son époque, la somme offerte par le protecteur.

Gilles Kraemer

Visuel : L'Olympia de Manet exposée aux côtés de la Vénus d'Urbin de Titien. Vue de l'exposition Manet. Ritorno a Venezia. Photo : Gilles Kraemer.